Massimo Balestrini

Im Mittelpunkt seiner Arbeit stehen visuelle Schichtung, die kollektive Vorstellungskraft und die Beständigkeit von Bildern im Laufe der Zeit. Fotografien, Fragmente der Populärkultur, bildliche Zeichen, digitale Spuren, visuelle Archive und generative Systeme interagieren in einem offenen Prozess, in dem sich das Werk niemals als endgültige Form präsentiert, sondern als instabile Oberfläche, durchzogen von Ablagerungen, Interferenzen und Wiedererscheinungen. 

Ein zentraler Aspekt seiner Forschung betrifft den Übergang vom digitalen Bild zur physischen Präsenz des Werks. Der Druck, die Farbe, der Träger, das Licht und das Farbmanagement werden zu entscheidenden Elementen dieses Übergangs. Bei der Übertragung vom Bildschirm auf die physische Oberfläche verändert das Bild seinen Zustand: Es verliert seine scheinbare Immaterialität und gewinnt an Körperlichkeit, Tiefe und Widerstandskraft. An dieser Schwelle zwischen digitalen Daten und bildlicher Präsenz untersucht Balestrini die Wahrnehmungsmöglichkeiten zeitgenössischer Kunstwerke.

Parallel zu seiner künstlerischen Praxis ist Balestrini als engagierter Dozent an der Akademie der Bildenden Künste in Verona tätig, wo er Malerei und digitale Bildbearbeitung unterrichtet. In diesem Zusammenhang leitet er die Studierenden zu einem bewussten Umgang mit digitalen und professionellen Werkzeugen an, nicht nur als operative Hilfsmittel, sondern als aktive Sprachen, die in der Lage sind, in den Kern des kreativen Prozesses vorzudringen.

Zudem hat er Projekte in Zusammenarbeit mit der Universität Mailand durchgeführt, deren Schwerpunkt auf der Erforschung künstlicher Intelligenz und der Schnittstelle zwischen Kunst, digitalen Technologien und verschiedenen Fachgebieten lag. 

Sein Werk bewegt sich somit an einer Schnittstelle: zwischen Malerei und Digitalem, zwischen individueller Erinnerung und gemeinsamer Vorstellungskraft, zwischen Materie und Algorithmus. Eine Praxis, in der das Bild nicht einfach nur produziert, sondern kontinuierlich durchquert, neu geschrieben und hinterfragt wird.

In meiner Arbeit ist das Farbmanagement kein technisches Detail, sondern Teil des kreativen Prozesses. Viele Werke durchlaufen mehrere Phasen: digitale Bearbeitung, Proofs, bildliche Eingriffe, neue Aufnahmen oder fotografische Dokumentation und oft weitere Überarbeitungen. Wenn der Monitor während dieses Prozesses nicht zuverlässig ist, verändert sich die Identität des Bildes ständig. Es besteht die Gefahr, dass das, was ich auf dem Bildschirm sehe, nicht mit dem Druck übereinstimmt, was dazu führt, dass nachfolgende bildliche Entscheidungen weniger präzise ausfallen. 

Ich arbeite seit über zwanzig Jahren mit EIZO Monitoren, weil ich ein stabiles, konsistentes und professionelles Werkzeug für die Bildbearbeitung benötige. Mir geht es nicht nur darum, ein helles oder ansprechendes Bild zu haben, sondern auch darum, Tonwertübergänge, Schatten, dominante Farben und die Unterschiede zwischen eng beieinander liegenden Bereichen korrekt beurteilen zu können. Für einen Künstler, der Digitaltechnik und Malerei kombiniert, ist diese Präzision wichtig: Sie ermöglicht fundiertere Entscheidungen vor dem Druck oder vor manuellen Eingriffen. 

In diesem Sinne ist der Monitor für mich kein von der Arbeit getrenntes Element, sondern Teil der kreativen Kette. Er ist der Punkt, an dem das digitale Bild betrachtet, überprüft und darauf vorbereitet wird, Materie zu werden.

Die wichtigste Erfahrung ist die Möglichkeit, mit einer konstanten visuellen Referenz zu arbeiten. Bei der Arbeit an komplexen, vielschichtigen Bildern reicht eine allgemeine Farbkontrolle nicht aus. Man muss in der Lage sein, Mikroabweichungen zu erkennen, zu verstehen, ob ein Übergang zu schmal ist, ob eine dominierende Farbe die Atmosphäre verändert, ob ein Bereich zurückgenommen bleiben oder stärker hervortreten sollte.

In meinem Arbeitsablauf spielt der ColorEdge-Monitor eine Schlüsselrolle. In den Phasen der Überprüfung und Entscheidungsfindung nutze ich ihn, um das Bild vor dem Druck zu überprüfen, das Verhältnis zwischen digital erzeugten Teilen und bildnerischen Eingriffen zu bewerten und die Kohärenz zwischen dem, was auf dem Bildschirm geschieht, und dem, was dann zum physischen Medium wird, zu wahren. Dies ist besonders wichtig, wenn das Werk Malerei, Fotografie, Digitaldruck und Bilder kombiniert, die mit künstlicher Intelligenz erzeugt oder transformiert wurden.

Die Präzision des Monitors hilft mir auch bei der Lehre. An der Akademie der Bildenden Künste in Verona unterrichte ich Malerei und digitale Bildbearbeitung und koordiniere den dreijährigen Studiengang „Neue Kunsttechnologien“. Mit den Studierenden geht es nicht nur darum, den Umgang mit Software zu erlernen, sondern den gesamten Bildbildungsprozess zu verstehen: Kalibrierung, Farbe, Druck und das Verhältnis zwischen digitaler Bildbearbeitung und manuellem Eingriff. In diesem Sinne ermöglichen uns professionelle Werkzeuge, konkret zu veranschaulichen, dass die Bildqualität von fundierten Entscheidungen während des gesamten Prozesses abhängt.

Ich würde ihnen raten, Technik und Vorstellungskraft nicht vorschnell voneinander zu trennen. Jedes Werkzeug, selbst das ausgefeilteste, bleibt unbrauchbar, wenn es nur dazu dient, Effekte zu erzeugen. Gleichzeitig muss man keine Angst vor der Technologie haben: Digitaltechnik, Druck, künstliche Intelligenz und Farbmanagement können zu Orten authentischer Forschung werden, wenn man sich ihnen bewusst nähert.

Ich würde einem jungen Künstler raten, sich die Werkzeuge gründlich anzueignen, sich aber niemals mit ihnen zu identifizieren. Es ist wichtig, die Technik zu beherrschen, einen Monitor zu kalibrieren, Farben zu verstehen und zu wissen, was passiert, wenn ein Bild vom der Bildschirmdarstellung zum Druck wird. All dies muss jedoch dazu dienen, eine persönliche Perspektive zu entwickeln.

Kunst entsteht oft in einer Zone der Reibung: zwischen Kontrolle und dem Unerwarteten, zwischen Erinnerung und Erfindung, zwischen mentalem Bild und Materie. Professionelle Werkzeuge helfen dabei, diesen Übergang zu verdeutlichen, doch die Aufgabe des Künstlers bleibt es, Bildern Bedeutung zu verleihen und sie nicht bloß zu produzieren.